spanish

Manga jsou japonské komiksy, které kombinují jedinečný styl, výrazné postavy a dynamické příběhy. Nejde jen o zábavu, ale o plnohodnotnou formu výtvarného i literárního umění, uznávanou v Japonsku. Pokud jste vždy snili o tvorbě vlastních příběhů ve formě manga komiksů, dnes se podíváme na hlavní aspekty, které je třeba při jejich tvorbě zohlednit.

Porozumění základním proporcím

Postavy v manze často mají stylizované proporce, ale i ty se řídí určitými pravidly. Začněte alespoň základním pochopením anatomie, aby byl váš komiks realistický. Manga však umožňuje volnější tvary.

U standardních proporcí postav v manze mají obvykle velké oči, prodloužené končetiny a zjednodušené detaily. Pro dosažení těchto proporcí se doporučuje začít s vytvořením «kostry» – skici postavy pomocí jednoduchých čar a kruhů, které určují polohu hlavy, trupu a končetin.

Kreslení obličejů

V manze je obličej základem pro vyjádření emocí. A co nejlépe vystihuje emoce? Oči. Proto jim věnujte zvláštní pozornost. Obličeje postav jsou zpravidla tvořeny velkými očima, malým nosem a ústy.

Nebojte se experimentovat s různými tvary očí, protože kromě emocí podtrhují i individualitu postavy. Například kulaté a velmi velké oči se často kreslí pro roztomilé a nevinné postavy, zatímco užší a hranatější oči jsou typické pro vážné nebo tajemné charaktery. Je také důležité pamatovat na proporce, protože obličej se kreslí pod různými úhly, což znamená, že jeho proporce se mění podle natočení.

Zdroj obrázku

Rozmanitost účesů a oblečení

Jistě jste si všimli, že účesy a oblečení postav v manze vždy zdůrazňují jejich individualitu. Pracujte na unikátním stylu svých postav, experimentujte s texturami a tvary. Například vlasy v manze jsou často znázorňovány pomocí výrazných, ale plynulých linií, které podtrhují pohyb.

Oblečení může být detailní nebo minimalistické – záleží na žánru vaší mangy. Také se snažte kombinovat různé textury látek, abyste vytvořili opravdu zajímavé vzhledy!

Vyjádření emocí

Emoční výrazy jsou v manze často hyperbolické. K tomu se používají standardní prvky – například hvězdy v očích pro překvapení nebo zamilovanost, kapka potu pro rozpačitost nebo nerozhodnost, ruměnec pro stydlivost. Tyto zjednodušené symboly čtenáři snadno pochopí a pomáhají učinit scény výraznějšími a srozumitelnějšími. Naučte se různé typy mimiky a prozkoumejte standardní detaily, které pomáhají zobrazovat emoce v manze. Vaše postavy tak budou působit živě a jejich pocity budou zřejmé.

Zdroj obrázku

Pohyb a dynamika

Jednou z hlavních předností mangy je její dynamika. Proto je důležité umět znázorňovat pohyby postav plynule a logicky, jinak může celý příběh působit nepřesvědčivě. Často se k tomu používá technika akčních linií, která pomáhá vyjádřit rychlost a energii okamžiku. Abyste ji zvládli, studujte reference pohybů – pomůže vám to lépe pochopit, jak by měly být části těla umístěny v různých pózách, ať už jde o běh, skok nebo úder.

Použití inkoustu

Manga se tradičně kreslí černým inkoustem na bílý papír, což vytváří umění kontrastu. Jakmile zvládnete linky a šrafování, můžete experimentovat s hloubkou a stíny. Vyzkoušejte různé nástroje pro práci s inkoustem, například perové tužky nebo markery. Ale bez ohledu na nástroje se naučte kreslit linky různých tlouštěk, abyste mohli zdůraznit klíčové prvky děje a dodat obrázku živost.

Kompozice panelů

Komiksy a manga vyprávějí příběh prostřednictvím sekvencí snímků neboli panelů. Správné uspořádání těchto panelů pomáhá vyjádřit rytmus a emocionální napětí příběhu. Studujte je a experimentujte s jejich tvary a velikostmi. Například můžete použít velké panely pro důležité momenty a úzké a dlouhé panely pro dynamické scény. To umožní čtenářům nejen sledovat události, ale i cítit jejich rytmus.

Barva nebo monochrom?

Přestože je manga většinou černobílá, barevné manga série existují už dlouho. Pokud chcete přidat barvu, můžete to udělat, ale je důležité zachovat rovnováhu mezi výrazností a detaily. Příliš mnoho barev by totiž mohlo odvádět pozornost od hlavního děje.

Barvy mohou lépe zdůraznit klíčové prvky nebo náladu scény. I v černobílém formátu ale můžete pomocí stínování a šrafování dosáhnout stejné působivé hloubky a výrazu.

Nakonec nezapomeňte studovat své oblíbené mangy a věnovat pozornost jejich kompozici a stylu – některé detaily se vám mohou hodit při vlastní tvorbě. Ale vždy se snažte, aby váš styl byl jedinečný a autentický!

Také se můžete přihlásit na naše online kurzy kreslení, kde se naučíte pracovat s konkrétními nástroji a technikami, které vám rozhodně pomohou při tvorbě vlastní mangy.

Proporce jsou tím, co může vaši kresbu buď učinit skutečně harmonickou, nebo vytvořit dojem, že něco není v pořádku. Pokud jste si někdy všimli, že postava působí trochu nepřirozeně, nebo že krajina vypadá rozbitá na neslučitelné části, pravděpodobně jde o narušené proporce. Jak to ale napravit a naučit se vnímat správné proporce?

Začněte s měřením

I když kreslení může být vnímáno jako tvořivý a svobodný proces, je důležité nejprve pochopit základní pravidla měření. Například při kreslení lidské postavy je dobré vědět, že výška těla by měla odpovídat přibližně 7–8 výškám hlavy, a šířka ramen zhruba dvěma šířkám hlavy. Použití těchto základních měřítek vám pomůže zachovat realističnost, i když kreslíte stylizovaně.

Zdroj obrázku

Kreslete pomocí jednoduchých tvarů

Než se ponoříte do detailů, zkuste nejprve zjednodušit objekty na základní geometrické tvary. Například lidské tělo lze rozdělit na válce, krychle a koule. Tento přístup vám umožní lépe pochopit, jak části spolu souvisejí, a zachovat rovnováhu v kompozici.

Zdroj obrázku

Použijte mřížku

Mnoho umělců používá mřížku, aby lépe viděli proporce objektů na papíře. Tuto metodu můžete použít při tradičním i digitálním kreslení. Mřížka vám pomůže zajistit, aby velikosti různých částí odpovídaly a každá z nich byla na správném místě.

Použijte zrcadlový odraz

Může to znít zvláštně, ale zkuste se na svůj výkres podívat v zrcadle nebo jej převrátit v grafickém programu – pomůže vám to odhalit chyby, které jste předtím přehlédli. Symetrie a rovnováha proporcí jsou často viditelnější, když se na dílo podíváte z jiného úhlu.

Reference a anatomie

Nebojte se studovat reálné obrázky nebo anatomické schémata, protože proporce závisejí na anatomii a skutečné struktuře. To vám pomůže nejen kopírovat, ale i pochopit, jak se tělo nebo objekt skládá, abyste toto poznání mohli sebejistě aplikovat v jakémkoli stylu – od realismu po karikaturu.

Například by vás mohla zaujmout kniha Bryana Curtise «Drawing from Observation: An Introduction to Perceptual Drawing», která se zaměřuje na pozorování a přesné ztvárnění proporcí.

Procvičujte rychlé skici

Jedním z nejlepších způsobů, jak zlepšit cit pro proporce, je pravidelná praxe rychlých náčrtů. Ty vám pomohou zachytit dynamiku a proporce pohybu, naučí vás v několika sekundách vystihnout klíčové momenty póz nebo kompozic.

Pokud se naučíte správně vnímat a chápat proporce, vaše práce budou působit sebejistěji a harmonicky a samotný tvůrčí proces vám přinese více radosti. Přihlaste se také na naše online kurzy kreslení pro začátečníky a proporce vám půjdou snadno!

Hay muchísimos consejos y materiales para principiantes. Nosotros te presentamos lo más importante para que realmente avances en tu desarrollo artístico. Aquí tienes 5 ideas que pueden marcar la diferencia, aunque no lo parezca. No están pensadas solo para artistas, sino para cualquier persona que quiera ser más creativa.

¿Ya sabes bastante pero sientes que no avanzas y que siempre falta algo? ¿Qué hacer en ese caso?

1. Refuerza bien las bases.
Puede que las hayas subestimado. Siempre es útil repasar teoría de composición, color, anatomía y proporciones. Estas bases son esenciales para una buena práctica artística. Muchos artistas las ignoran, pero dominarlas te dará nuevas ideas y mayor libertad creativa.

2. Sal de tu zona de confort.
¿Te apasiona el manga o el cómic y no haces nada más? Atrévete a explorar otros estilos. Lo mismo si te centras solo en el realismo. Las combinaciones entre géneros, técnicas y enfoques generan los proyectos más interesantes.

3. No seas un artista automático.
Pregúntate por qué creas. ¿Solo quieres publicar en redes o tienes algo que decir? ¿Tus obras expresan emociones, ideas, puntos de vista? El arte no es solo técnica, también es reflexión, emoción y propósito. Hay una gran diferencia entre una obra con alma y una vacía.

4. No copies la realidad sin pensar.
Las cámaras y escáneres ya lo hacen. El artista debe aportar visión personal, estilo, emociones. Puedes estilizar, abstraer, simplificar, incluso recurrir al surrealismo. Usa tu mirada y hazla visible en lo que creas.

5. No te obsesiones con la perfección.
Los trazos sueltos y las líneas simples también valen. Lo esencial está en la estructura y los conocimientos. Dibujo es sinónimo de evolución constante, de pruebas y errores. Experimenta con materiales, métodos y soportes para descubrir tu lenguaje visual.

6. No practiques sin rumbo.
Garabatear relaja, pero no mejora tus habilidades. Para crecer, necesitas identificar tus debilidades y enfrentarlas. Analiza tus errores, estudia estructuras, juega con luz y sombra, trabaja lo que aún no dominas.

7. Sé realista con tus expectativas.
No vas a aprender todo en una semana. El progreso en arte toma años. Incluso algo tan “simple” como una cabeza humana requiere años de práctica consciente y con intención. La constancia vale más que el talento aislado.

8. Aprende a recibir críticas.
Vas a convivir con opiniones ajenas. Si no sabes aceptar críticas, lo pasarás mal. Pero si las escuchas con madurez, se convierten en un regalo. La crítica es el mejor motor de mejora si no dejas que el ego se interponga.

9. Amplía tu visión del mundo.
Aprende de historia, política, ciencia, literatura, fotografía, cine… Todo se conecta. Cuanto más entiendas el mundo, más profundo será tu arte. Un artista cerrado no tiene mucho que ofrecer.

10. Cultiva la constancia.
Si te falta paciencia, motivación o tolerancia a la frustración, avanzar será difícil. El talento ayuda, pero no lo es todo. Perseverar, practicar con conciencia y cuidar tu mente es lo que realmente te hará avanzar.

Estos consejos no se centran solo en lo técnico. También abordan la actitud, las emociones y la visión del artista como persona completa. El objetivo final es convertirte en alguien reflexivo, equilibrado y auténtico.

Desde Draw Planet te deseamos mucha inspiración y constancia. Estamos aquí para ayudarte a crecer como artista.

Cuando vemos varios vídeos sobre caligrafía, es útil recopilar en un solo lugar las mejores ideas que realmente ayudan a lograr un buen resultado. Pero, ¿cómo escribir letras bonitas y llevarlas a un nivel más alto?

Vale la pena empezar con bocetos y conceptos. Eso te permitirá reflexionar sobre la composición y el estilo, y además entrenar la mano. Incluso los profesionales del lettering rara vez logran el resultado perfecto al primer intento. Es completamente normal que el proceso requiera repeticiones. La calidad llega con la práctica. Hacer un boceto previo también te evita sorpresas desagradables, como que no quepa la palabra o te saltes accidentalmente una letra.

Si quieres crear una caligrafía tipo brush script, usa un pincel. Cada herramienta tiene sus particularidades, y aunque intentes imitarlo con un bolígrafo, el resultado siempre será más natural con pincel. Además, permite variar el grosor del trazo y lograr efectos como manchas de tinta o líneas irregulares.

En trabajos de lettering, el papel vegetal puede ser tu gran aliado. Puedes usarlo para añadir detalles decorativos a palabras que ya te han salido bien y construir nuevas versiones sin empezar desde cero.

Antes de digitalizar tus letras, lo mejor es escribir la palabra o frase a mano y luego trazarla con curvas vectoriales. Así los caracteres se ven más naturales y limpios. Dibujar directamente en vectores es mucho más complicado y menos fluido.

También te recomendamos reunir una colección de imágenes de referencia, ejemplos inspiradores o incluso letras sueltas. Analizar otros estilos te ayudará a crear los tuyos propios desde la memoria visual.

En nuestro curso de caligrafía moderna y lettering te espera un programa muy bien estructurado, con todos los materiales incluidos. ¡Inscríbete y empieza a crear tus propias composiciones con la guía de los mejores profesores!

Te presentamos 4 ejercicios sencillos de Bert Dodson para desbloquear la creatividad y ampliar tus horizontes personales. Funcionan tanto si estás en una crisis creativa como si simplemente quieres salir de tu zona de confort.

1. Observa y exagera las características
Cuando te concentras en diferentes aspectos del objeto que vas a dibujar, empiezas a verlo de forma distinta. Un dibujo exacto conecta al espectador con el objeto de forma literal. Por ejemplo, todos sabemos lo que es una silla. Pero si exageramos o distorsionamos su forma, conectamos con el espectador a un nivel emocional y le invitamos a ver algo conocido desde una nueva perspectiva. Eso atrae la atención y revela algo nuevo, tanto en el artista como en quien observa.

2. Cambia las proporciones
Este tipo de dibujos se parecen a caricaturas, por eso son tan atractivos. El contraste crea interés. Si quieres que un objeto parezca enorme, colócalo junto a algo pequeño. Incluso si solo tienes un objeto, crea contraste entre sus detalles. Los resultados pueden ser divertidos, sorprendentes o hasta inquietantes, pero siempre captarán la atención.

3. Resalta las diferencias
La diferencia es información. Una forma de hacer que lo común parezca extraño es enfatizar el contraste. Por ejemplo, dibujar a dos personas: una muy delgada y otra muy corpulenta. En la vida real la diferencia puede no ser tan marcada, pero llevándola al extremo surge una historia completamente nueva.

4. Juega con la escala
Puedes crear una imagen impactante combinando elementos de distintos tamaños en una sola composición. Un ejemplo brillante: Gustave Courbet representado como conductor de una limusina al lado de una niña diminuta. El contraste no es solo visual, sino también simbólico: el artista parece un gigante, en todos los sentidos. De esta forma nacen las metáforas que sostienen una buena ilustración.

Distorsión con propósito
Incluso artistas con mucha experiencia a veces tienen dificultades para distorsionar intencionadamente. Paradójicamente, una formación muy estricta en dibujo realista puede dificultar la expresión personal. El cerebro quiere «dibujar como una cámara», sin dejar espacio para lo nuevo.

Un método eficaz es este: dibuja los contornos del objeto con un rotulador grueso, sin mirar al papel, solo al objeto o la foto. De vez en cuando puedes echar un vistazo para no salirte del papel. Cuando termines el contorno, usa un lápiz fino para añadir sombras y detalles con libertad. La distorsión natural del primer paso hace que el resultado final tenga fuerza y autenticidad.