Blog de arte y creatividad

“Franklin Booth siempre será mucho mejor que casi cualquiera que haya sostenido una pluma…”
© Bernie Wrightson

Franklin Booth (1874–1948) fue uno de los artistas estadounidenses más destacados e influyentes de los siglos XIX y XX, conocido por sus sofisticadas ilustraciones en blanco y negro realizadas con pluma e tinta.

Curiosamente, su estilo nació por un malentendido. Booth copiaba meticulosamente ilustraciones de revistas usando pluma e tinta, creyendo que los originales también estaban hechos así. En realidad, se trataba de grabados en madera. Pero este error le llevó a desarrollar una técnica única, basada en miles de líneas finamente colocadas una junto a otra.

En sus obras es imposible no notar enormes edificios y bosques monumentales que se alzan sobre pequeñas figuras humanas, junto a caligrafía clásica y árboles retorcidos.

Booth se convirtió en un artista comercial excepcional. Ilustró libros de autores como James Reilly, Mark Twain, Theodore Dreiser y Meredith M. Nicholson. Su dominio de la anatomía, el volumen, la composición y el sentido del drama era simplemente impresionante. Fue, sin duda, uno de los grandes maestros del dibujo con tinta que ha dado Estados Unidos.

Su estilo único, esa asombrosa diversidad gráfica que roza la pintura, influyó profundamente tanto a sus contemporáneos como a generaciones posteriores, incluidos artistas como Frank Frazetta y Bernie Wrightson.

“Siempre he admirado la belleza del trabajo de Franklin Booth y lo considero uno de los grandes ilustradores estadounidenses.”
© Norman Rockwell

“Un estudiante moderno que busque el éxito rápido debería copiar algunas de sus ilustraciones, aunque sólo sea por disciplina. Yo lo copiaba únicamente por amor a su arte.”
© Milton Caniff

El retrato es uno de los géneros más antiguos del arte comercial. A lo largo de los siglos, siempre ha habido personas adineradas que deseaban que su imagen —y la de sus seres queridos— viviera eternamente sobre el lienzo. El retrato sigue ciertas reglas que deben cumplirse para lograr una obra verdaderamente exitosa.

Parecido
Para crear un retrato de calidad, es fundamental representar el rostro con realismo y captar la fisionomía de la persona. Muchos retratistas fallan en este punto: el rostro no está bien resuelto, pero aun así lo entregan al cliente. El parecido es clave.

Dominio técnico
Luz y sombra, anatomía, perspectiva… Todos los conocimientos que permiten representar el mundo de forma creíble. Un artista preparado debe dominar estos fundamentos.

Belleza
Armonía en el color, proporciones, vestimenta, entorno, y una comprensión estética de los elementos que rodean al personaje. Todo esto influye en el resultado final.

Alma
Es lo más importante. Un retrato no será auténtico ni artístico si no logra capturar el alma, el carácter, las expresiones y singularidades del modelo. Un buen retratista actúa como traductor: con su talento, fija el alma sobre el lienzo como si atrapara una mariposa. Incluso cien años después, el espectador entenderá la esencia de la persona representada.

Los grandes fotógrafos hacen lo mismo: observan al modelo durante horas en el estudio hasta captar su verdadero ser. Se necesita talento. Uno puede ser un gran pintor, pero eso no garantiza que el retrato sea su medio ideal.

Innovación / Estilo contemporáneo
Un buen retrato también debe reflejar el espíritu de su época, tanto en la técnica pictórica como en los elementos del entorno —vestimenta, mobiliario, gestos—. Así, el arte permanece vivo y relevante.

Definir el arte abstracto parece casi imposible — es un estilo increíblemente diverso 🙂 ¡Y precisamente por eso ofrece tanta libertad y alegría!

Ya sea en forma, técnica o enfoque creativo, todo en la abstracción es profundamente individual. Aun así, podemos dividir el arte abstracto en dos grandes corrientes.

La primera parte completamente de elementos como la línea, el color, el contorno o la luz, pero no representa ningún objeto real. Aquí, lo más importante es el contenido emocional o simbólico de la obra. A veces, un título o una breve explicación nos ayuda a interpretar su significado.

La segunda sí se basa en la realidad, pero no la representa de forma literal. El artista la simplifica al máximo, y solo quedan sugerencias o rasgos del objeto que quizá podamos identificar en la obra.

Está claro que las opiniones sobre cada pieza serán tan variadas como el propio arte abstracto. Se valora la originalidad, el equilibrio… pero también el caos, la simplicidad o la complejidad. Aquí, por fin, la imaginación no tiene límites.

Eso sí: una buena obra abstracta suele tener una idea o mensaje detrás. El mensaje es probablemente el elemento más importante en el arte abstracto. Se trata de abrir horizontes nuevos, inesperados y personales, y expresarlos con autenticidad.

Y como la creatividad también se puede entrenar —¡sí, incluso los trazos más espontáneos se pueden dominar!— en Draw Planet puedes aprender a crear arte abstracto. En nuestro curso disfrutarás del color, la libertad creativa y la guía de los mejores profesores 🙂

La obra “El beso” de Gustav Klimt, considerada una de las joyas del modernismo temprano, puede parecer a primera vista simplemente una representación de pasión y amor. Pero detrás de esta escena aparentemente sencilla se esconden numerosos datos fascinantes.

Inspirado por los mosaicos bizantinos que conoció durante sus viajes, Klimt comenzó a mezclar pan de oro con pintura al óleo —una técnica que se convertiría en su sello distintivo.

Curiosamente, este cuadro nació durante una profunda crisis creativa. En una carta de 1907, Klimt escribió:
“O estoy demasiado viejo, o demasiado nervioso, o demasiado estúpido, pero algo no va bien.”
Y sin embargo, fue precisamente en ese periodo cuando pintó la obra que le traería una enorme popularidad.

En 1908, “El beso” se expuso por primera vez en una galería de arte austriaca, aunque Klimt nunca llegó a terminarlo por completo. Aun así, la obra fue adquirida por la Galería Belvedere.

¿Cómo se compra una obra que ni siquiera está terminada? Solo si es una oferta imposible de rechazar. La galería Belvedere pagó unas 25 mil coronas de la época (lo que equivaldría hoy a unos 240.000 dólares), en un momento en que el precio medio por una pintura en Austria era de solo 500 coronas.

1. Encuentra un lugar cómodo donde sentarte. Si estás a gusto, podrás trabajar durante más tiempo sin encorvarte sobre una mesa demasiado baja.

2. Si hace viento, sujeta las hojas con pinzas o clips, y deja tu paleta o lápices a un lado para tenerlos siempre a mano.

3. Asegúrate de tener lápices bien afilados, y manténlos así mientras dibujas. Parece obvio, pero muchos lo olvidan.

4. Elige el objeto que quieres dibujar y colócalo de manera que no tengas que moverlo. Si cambias su posición, perderás el enfoque.

5. No te apresures. Observa con atención el objeto antes de empezar, sobre todo sus proporciones y el tamaño de sus partes.

6. No presiones demasiado con el lápiz. Así podrás corregir fácilmente. Y no olvides usar una buena goma de borrar, de esas que encuentras en tiendas de arte.

7. Si tu boceto sigue viéndose apagado y no sabes cómo resaltarlo, puedes usar un rotulador negro de punta fina para dar énfasis.

8. Juega con diferentes durezas de lápices y con la textura del papel. Eso enriquece el resultado.

9. No subestimes una buena iluminación. Un entorno bien iluminado mejora mucho la calidad del dibujo.

10. Y lo más importante: ¡practica, practica y practica! Empieza sin exigirte demasiado y no te rindas. Todos tienen que entrenar. Los resultados llegarán.