Blog de arte y creatividad

«Cuando estoy dentro de la pintura, no sé lo que hago. La comprensión llega más tarde.»

El artista estadounidense Jackson Pollock se convirtió en el líder del expresionismo abstracto y tuvo un impacto significativo en el arte de la segunda mitad del siglo XX.

En sus obras iniciales se nota la influencia de los muralistas mexicanos Diego Rivera y José Clemente Orozco, a quienes admiraba en esa época. Tras descubrir los trabajos de Pablo Picasso y los surrealistas, su obra adquirió un carácter más simbólico.

Durante mucho tiempo, Pollock recurrió al psicoanálisis para lidiar con la depresión. Esto explica su interés por la teoría de los arquetipos de Carl Gustav Jung, que influyó profundamente en su obra entre 1938 y 1944.

En 1947, Pollock inventó una nueva técnica: empezó a trabajar con enormes lienzos que colocaba directamente en el suelo, aplicando pintura con pinceles sin llegar a tocar el lienzo. Esta técnica fue conocida posteriormente como “dripping”, aunque él prefería llamarla técnica de vertido. Por ello, fue apodado Jack the Dripper.

Las dos técnicas de pintura más comunes hoy en día son el acrílico y el óleo.

La principal diferencia entre ambos está en su composición química. Las pinturas acrílicas están hechas con componentes sintéticos a base de agua, mientras que las pinturas al óleo pueden fabricarse con aceites naturales (aunque a veces también se usan aceites sintéticos).

Muchos artistas contemporáneos combinan ambas técnicas: comienzan la base del cuadro con acrílico y añaden los detalles con óleo, lo que permite trabajar más rápido sin tener que esperar a que se seque la capa inferior.

Aquí un resumen rápido de sus características:

• Pinturas acrílicas: a base de agua, secan rápido, tienden a oscurecerse ligeramente al secarse.

• Pinturas al óleo: hechas con aceites naturales y pigmentos, conservan su intensidad de color, pero requieren preparación del lienzo y un tiempo de secado más largo.

Lo mejor es probar ambas técnicas en nuestros cursos de Draw Planet. Descubrirás su magia, aprenderás muchos trucos y lograrás resultados increíbles.
¡Te esperamos en clase! 😉

Si quieres aprender a dibujar y pintar, te vendrán bien algunos consejos sobre cómo abordar el proceso de aprendizaje.

Piensa en la última vez que aprendiste un idioma extranjero. ¿Qué te resultó más eficaz? ¿Repetir una y otra vez, o crear una historia? El mismo principio funciona con el dibujo. Si lo tuyo es la repetición, dibuja el mismo objeto muchas veces. Así recordarás tanto los trazos correctos como los errores, y aprenderás a corregirlos.

¿Prefieres las historias? Entonces pinta tu modelo paso a paso, con calma y mucha reflexión.

Aclara qué es lo que quieres aprender exactamente y divídelo en tareas más pequeñas. Si estás practicando el dibujo a lápiz, comienza por ejercicios de rayado, luego pasa al sombreado. Si nunca has dibujado antes, los ejercicios pequeños son el mejor comienzo.

Pide y acepta ayuda de tus amigas y amigos. Igual que cuando estudias para un examen, pueden aprender a dibujar juntos, ponerse retos y probar sus habilidades mutuamente. ¡Eso sí, sin competir! Se trata de un aprendizaje maduro y en equipo.

Cuando empiezas una nueva actividad, estás lleno de entusiasmo. Cada avance es una alegría. Pero con el tiempo, esa euforia inicial se desvanece. Incluso si te apasiona el arte, esta fase de “desencanto” puede llegar. ¿Cómo superarla? Recuerda cómo empezaste y todo lo que has conseguido.

Quizás pienses que ya has aprendido suficiente y que es hora de probar nuevos hobbies. Tanto si aprendes a dibujar rápido como si tardas más, consolidarás tu habilidad si no la abandonas. ¿Te apetece probar algo nuevo? ¡Combínalo! ¿Te has enganchado al senderismo? ¡Haz pintura al aire libre! ¿Te gusta el fútbol o la gimnasia? ¡Retrata a tu deportista favorito! En un mundo lleno de estímulos, mantener el enfoque no es fácil, pero no dejes que la dispersión te venza.

Hay muchísimos consejos y materiales para principiantes. Nosotros te presentamos lo más importante para que realmente avances en tu desarrollo artístico. Aquí tienes 5 ideas que pueden marcar la diferencia, aunque no lo parezca. No están pensadas solo para artistas, sino para cualquier persona que quiera ser más creativa.

¿Ya sabes bastante pero sientes que no avanzas y que siempre falta algo? ¿Qué hacer en ese caso?

1. Refuerza bien las bases.
Puede que las hayas subestimado. Siempre es útil repasar teoría de composición, color, anatomía y proporciones. Estas bases son esenciales para una buena práctica artística. Muchos artistas las ignoran, pero dominarlas te dará nuevas ideas y mayor libertad creativa.

2. Sal de tu zona de confort.
¿Te apasiona el manga o el cómic y no haces nada más? Atrévete a explorar otros estilos. Lo mismo si te centras solo en el realismo. Las combinaciones entre géneros, técnicas y enfoques generan los proyectos más interesantes.

3. No seas un artista automático.
Pregúntate por qué creas. ¿Solo quieres publicar en redes o tienes algo que decir? ¿Tus obras expresan emociones, ideas, puntos de vista? El arte no es solo técnica, también es reflexión, emoción y propósito. Hay una gran diferencia entre una obra con alma y una vacía.

4. No copies la realidad sin pensar.
Las cámaras y escáneres ya lo hacen. El artista debe aportar visión personal, estilo, emociones. Puedes estilizar, abstraer, simplificar, incluso recurrir al surrealismo. Usa tu mirada y hazla visible en lo que creas.

5. No te obsesiones con la perfección.
Los trazos sueltos y las líneas simples también valen. Lo esencial está en la estructura y los conocimientos. Dibujo es sinónimo de evolución constante, de pruebas y errores. Experimenta con materiales, métodos y soportes para descubrir tu lenguaje visual.

6. No practiques sin rumbo.
Garabatear relaja, pero no mejora tus habilidades. Para crecer, necesitas identificar tus debilidades y enfrentarlas. Analiza tus errores, estudia estructuras, juega con luz y sombra, trabaja lo que aún no dominas.

7. Sé realista con tus expectativas.
No vas a aprender todo en una semana. El progreso en arte toma años. Incluso algo tan “simple” como una cabeza humana requiere años de práctica consciente y con intención. La constancia vale más que el talento aislado.

8. Aprende a recibir críticas.
Vas a convivir con opiniones ajenas. Si no sabes aceptar críticas, lo pasarás mal. Pero si las escuchas con madurez, se convierten en un regalo. La crítica es el mejor motor de mejora si no dejas que el ego se interponga.

9. Amplía tu visión del mundo.
Aprende de historia, política, ciencia, literatura, fotografía, cine… Todo se conecta. Cuanto más entiendas el mundo, más profundo será tu arte. Un artista cerrado no tiene mucho que ofrecer.

10. Cultiva la constancia.
Si te falta paciencia, motivación o tolerancia a la frustración, avanzar será difícil. El talento ayuda, pero no lo es todo. Perseverar, practicar con conciencia y cuidar tu mente es lo que realmente te hará avanzar.

Estos consejos no se centran solo en lo técnico. También abordan la actitud, las emociones y la visión del artista como persona completa. El objetivo final es convertirte en alguien reflexivo, equilibrado y auténtico.

Desde Draw Planet te deseamos mucha inspiración y constancia. Estamos aquí para ayudarte a crecer como artista.

Cuando vemos varios vídeos sobre caligrafía, es útil recopilar en un solo lugar las mejores ideas que realmente ayudan a lograr un buen resultado. Pero, ¿cómo escribir letras bonitas y llevarlas a un nivel más alto?

Vale la pena empezar con bocetos y conceptos. Eso te permitirá reflexionar sobre la composición y el estilo, y además entrenar la mano. Incluso los profesionales del lettering rara vez logran el resultado perfecto al primer intento. Es completamente normal que el proceso requiera repeticiones. La calidad llega con la práctica. Hacer un boceto previo también te evita sorpresas desagradables, como que no quepa la palabra o te saltes accidentalmente una letra.

Si quieres crear una caligrafía tipo brush script, usa un pincel. Cada herramienta tiene sus particularidades, y aunque intentes imitarlo con un bolígrafo, el resultado siempre será más natural con pincel. Además, permite variar el grosor del trazo y lograr efectos como manchas de tinta o líneas irregulares.

En trabajos de lettering, el papel vegetal puede ser tu gran aliado. Puedes usarlo para añadir detalles decorativos a palabras que ya te han salido bien y construir nuevas versiones sin empezar desde cero.

Antes de digitalizar tus letras, lo mejor es escribir la palabra o frase a mano y luego trazarla con curvas vectoriales. Así los caracteres se ven más naturales y limpios. Dibujar directamente en vectores es mucho más complicado y menos fluido.

También te recomendamos reunir una colección de imágenes de referencia, ejemplos inspiradores o incluso letras sueltas. Analizar otros estilos te ayudará a crear los tuyos propios desde la memoria visual.

En nuestro curso de caligrafía moderna y lettering te espera un programa muy bien estructurado, con todos los materiales incluidos. ¡Inscríbete y empieza a crear tus propias composiciones con la guía de los mejores profesores!