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El retrato es uno de los géneros más antiguos del arte comercial. A lo largo de los siglos, siempre ha habido personas adineradas que deseaban que su imagen —y la de sus seres queridos— viviera eternamente sobre el lienzo. El retrato sigue ciertas reglas que deben cumplirse para lograr una obra verdaderamente exitosa.

Parecido
Para crear un retrato de calidad, es fundamental representar el rostro con realismo y captar la fisionomía de la persona. Muchos retratistas fallan en este punto: el rostro no está bien resuelto, pero aun así lo entregan al cliente. El parecido es clave.

Dominio técnico
Luz y sombra, anatomía, perspectiva… Todos los conocimientos que permiten representar el mundo de forma creíble. Un artista preparado debe dominar estos fundamentos.

Belleza
Armonía en el color, proporciones, vestimenta, entorno, y una comprensión estética de los elementos que rodean al personaje. Todo esto influye en el resultado final.

Alma
Es lo más importante. Un retrato no será auténtico ni artístico si no logra capturar el alma, el carácter, las expresiones y singularidades del modelo. Un buen retratista actúa como traductor: con su talento, fija el alma sobre el lienzo como si atrapara una mariposa. Incluso cien años después, el espectador entenderá la esencia de la persona representada.

Los grandes fotógrafos hacen lo mismo: observan al modelo durante horas en el estudio hasta captar su verdadero ser. Se necesita talento. Uno puede ser un gran pintor, pero eso no garantiza que el retrato sea su medio ideal.

Innovación / Estilo contemporáneo
Un buen retrato también debe reflejar el espíritu de su época, tanto en la técnica pictórica como en los elementos del entorno —vestimenta, mobiliario, gestos—. Así, el arte permanece vivo y relevante.

Definir el arte abstracto parece casi imposible — es un estilo increíblemente diverso 🙂 ¡Y precisamente por eso ofrece tanta libertad y alegría!

Ya sea en forma, técnica o enfoque creativo, todo en la abstracción es profundamente individual. Aun así, podemos dividir el arte abstracto en dos grandes corrientes.

La primera parte completamente de elementos como la línea, el color, el contorno o la luz, pero no representa ningún objeto real. Aquí, lo más importante es el contenido emocional o simbólico de la obra. A veces, un título o una breve explicación nos ayuda a interpretar su significado.

La segunda sí se basa en la realidad, pero no la representa de forma literal. El artista la simplifica al máximo, y solo quedan sugerencias o rasgos del objeto que quizá podamos identificar en la obra.

Está claro que las opiniones sobre cada pieza serán tan variadas como el propio arte abstracto. Se valora la originalidad, el equilibrio… pero también el caos, la simplicidad o la complejidad. Aquí, por fin, la imaginación no tiene límites.

Eso sí: una buena obra abstracta suele tener una idea o mensaje detrás. El mensaje es probablemente el elemento más importante en el arte abstracto. Se trata de abrir horizontes nuevos, inesperados y personales, y expresarlos con autenticidad.

Y como la creatividad también se puede entrenar —¡sí, incluso los trazos más espontáneos se pueden dominar!— en Draw Planet puedes aprender a crear arte abstracto. En nuestro curso disfrutarás del color, la libertad creativa y la guía de los mejores profesores 🙂

La obra “El beso” de Gustav Klimt, considerada una de las joyas del modernismo temprano, puede parecer a primera vista simplemente una representación de pasión y amor. Pero detrás de esta escena aparentemente sencilla se esconden numerosos datos fascinantes.

Inspirado por los mosaicos bizantinos que conoció durante sus viajes, Klimt comenzó a mezclar pan de oro con pintura al óleo —una técnica que se convertiría en su sello distintivo.

Curiosamente, este cuadro nació durante una profunda crisis creativa. En una carta de 1907, Klimt escribió:
“O estoy demasiado viejo, o demasiado nervioso, o demasiado estúpido, pero algo no va bien.”
Y sin embargo, fue precisamente en ese periodo cuando pintó la obra que le traería una enorme popularidad.

En 1908, “El beso” se expuso por primera vez en una galería de arte austriaca, aunque Klimt nunca llegó a terminarlo por completo. Aun así, la obra fue adquirida por la Galería Belvedere.

¿Cómo se compra una obra que ni siquiera está terminada? Solo si es una oferta imposible de rechazar. La galería Belvedere pagó unas 25 mil coronas de la época (lo que equivaldría hoy a unos 240.000 dólares), en un momento en que el precio medio por una pintura en Austria era de solo 500 coronas.

1. Encuentra un lugar cómodo donde sentarte. Si estás a gusto, podrás trabajar durante más tiempo sin encorvarte sobre una mesa demasiado baja.

2. Si hace viento, sujeta las hojas con pinzas o clips, y deja tu paleta o lápices a un lado para tenerlos siempre a mano.

3. Asegúrate de tener lápices bien afilados, y manténlos así mientras dibujas. Parece obvio, pero muchos lo olvidan.

4. Elige el objeto que quieres dibujar y colócalo de manera que no tengas que moverlo. Si cambias su posición, perderás el enfoque.

5. No te apresures. Observa con atención el objeto antes de empezar, sobre todo sus proporciones y el tamaño de sus partes.

6. No presiones demasiado con el lápiz. Así podrás corregir fácilmente. Y no olvides usar una buena goma de borrar, de esas que encuentras en tiendas de arte.

7. Si tu boceto sigue viéndose apagado y no sabes cómo resaltarlo, puedes usar un rotulador negro de punta fina para dar énfasis.

8. Juega con diferentes durezas de lápices y con la textura del papel. Eso enriquece el resultado.

9. No subestimes una buena iluminación. Un entorno bien iluminado mejora mucho la calidad del dibujo.

10. Y lo más importante: ¡practica, practica y practica! Empieza sin exigirte demasiado y no te rindas. Todos tienen que entrenar. Los resultados llegarán.

¿Tienes dudas antes de empezar? ¡Aquí respondemos las más comunes que nos hacen quienes se apuntan a nuestros cursos!

1) Soy principiante total, ¿de verdad voy a poder?
Solo necesitas ganas y disposición para aprender. Puede que al principio te lleve algo de tiempo, pero con un poco de paciencia y entusiasmo, te enseñaremos a dibujar y pintar. ¡Sí se puede!

2) Nunca he pintado antes. ¿Tengo que practicar algo en casa antes del curso?
¡Para nada! Empezamos desde cero, con ejercicios para soltar la mano y explicaciones paso a paso. No necesitas preparación previa. Pero si ya tienes ganas de probar, adelante — ¡nunca está de más!

3) Quiero pintar un cuadro específico, como un retrato de un familiar. ¿Se puede?
Depende del nivel de dificultad y de la técnica. Si no es demasiado complejo para tu nivel, lo hablamos y vemos cómo adaptarlo. ¡Estamos aquí para ayudarte!

4) ¿A qué edad se puede aprender a dibujar?
¡Nunca es tarde! Tenemos cursos para niños, jóvenes y adultos. En los cursos para adultos no hay límite de edad. Lo importante es que tengas ganas de crear.

5) ¿Cómo elijo qué técnica aprender?
Empieza por lo que más te atraiga visualmente. Si no estás seguro, puedes probar varias en el curso para principiantes, que incluye diferentes técnicas. Luego puedes seguir profundizando en la que más te guste.

6) ¿Qué materiales necesito comprar para casa?
Durante el curso te prestamos todos los materiales de forma gratuita (excepto el ordenador para pintura digital). Después, según lo que más te haya gustado, te daremos recomendaciones personalizadas.

7) ¿Cuánto tiempo tardaré en aprender a dibujar?
Depende de qué consideres “aprender”. A mitad de curso ya tendrás resultados que te encantarán. Algunos avanzan más rápido, otros más lento — lo importante es que te llevarás trabajos de los que sentirás orgullo.

8) ¿Y si voy más lento que los demás? ¿Molestaré al grupo?
¡Para nada! Los grupos son pequeños, así que podemos atender a cada persona individualmente. Puedes preguntar todo lo que necesites, ¡estamos aquí para ti!

¿Tienes otra pregunta que no aparece aquí? Escríbenos o llámanos — ¡estaremos encantados de ayudarte!

¡Nos alegra acompañarte en este camino creativo!