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Cada día tomamos decisiones: si levantarnos temprano, si tomar café o agua, si salir a correr o ver otro vídeo en YouTube.

A veces parece fácil decidir, pero otras veces cuesta más. Si quieres avanzar, tienes que elegir y eliminar las distracciones. Lo mismo pasa con los hobbies. Aunque te guste mucho lo que haces, puede que lo dejes por falta de tiempo o por cambios en tu rutina. Pero, en la mayoría de los casos, es una elección: dibujar (o bailar, bordar, lo que sea) puede estar por encima de ver una serie o perder el tiempo en cosas que no te aportan nada.

Y claro que no siempre vas a poder elegir la mejor opción. Hay días soleados y otros nublados. A veces la salud no acompaña. Pero lo importante es intentarlo cada día. ¡Eso es lo que cuenta!

Y sí, esto también aplica al dibujo:

🖍 Puedes dejarlo para mañana, o hacer una pequeña libreta y dibujar algo en 10 minutos.
🖍 Puedes decir que no tienes espacio y que vas a manchar todo, o puedes usar un plástico o papel de periódico y empezar igual.
🖍 Puedes pensar que necesitas mucho dinero para empezar a crear, o darte cuenta de que ya tienes un lápiz y papel en casa.
🖍 Puede que en tu ciudad no haya una buena escuela de dibujo (¡aunque en Praga sí, gracias a Draw Planet!), pero siempre puedes apuntarte a un curso online.

La decisión está en tus manos 😊

No es ningún secreto que muchos artistas no ponían título a sus obras. En muchos casos, los cuadros recibieron un nombre mucho tiempo después, asignado por propietarios, museos, herederos o abogados.

Johannes Vermeer no fue la excepción. Su famoso cuadro «La joven de la perla» no recibió este nombre hasta varios siglos después de su muerte. Al principio, la pintura era conocida como «La joven con turbante» o «El rostro de una joven».

El título «La joven de la perla» surgió en 1995, cuando la Galería Real Mauritshuis de La Haya preparaba el catálogo de una exposición de Vermeer en Washington. Más tarde, este nombre se popularizó gracias a la novela de la escritora Tracy Chevalier. En 2004, la historia llegó al cine con la película protagonizada por Scarlett Johansson.

El nacimiento del impresionismo está estrechamente ligado al progreso técnico de la sociedad.

Para poder captar las impresiones más sutiles, los matices de luz y color, los artistas necesitaban salir del estudio y pintar al aire libre. Pero hasta mediados del siglo XIX, eso era técnicamente muy complicado, especialmente cuando se trataba de usar pintura al óleo en exteriores.

Las pinturas se almacenaban en pequeñas bolsas hechas con vejiga de cerdo. Para extraer el color, había que perforar una pared delgada del saquito y luego volver a sellarlo. Con cada uso, este proceso era tan laborioso que la pintura solía secarse rápidamente.

En 1840, William Winsor, fundador de la marca Winsor & Newton, propuso guardar las pinturas en una especie de jeringa de vidrio o metal. Sin embargo, esta solución no resolvía del todo los problemas de secado y transporte.

Fue el pintor estadounidense John Goffe Rand quien, en 1841, registró la patente de un invento llamado “Mejora en el sistema de almacenamiento de pintura”. Había nacido el tubo de pintura metálico, tal como lo conocemos hoy.

Ese mismo año, Rand presentó varias patentes para perfeccionar el diseño, aunque aún no incluía el cómodo tapón enroscable.

Mientras tanto, William Winsor patentó una versión con boquilla y rosca, más práctica para los artistas. En 1842, la fábrica Winsor & Newton empezó a producir masivamente estas nuevas pinturas en tubo.

En poco tiempo, este invento se extendió por todo el mundo.

A pesar de los múltiples intentos posteriores por mejorar el diseño, el tubo metálico con tapón enroscable sigue siendo hasta hoy el formato más práctico y funcional para almacenar pintura al óleo.

“Franklin Booth siempre será mucho mejor que casi cualquiera que haya sostenido una pluma…”
© Bernie Wrightson

Franklin Booth (1874–1948) fue uno de los artistas estadounidenses más destacados e influyentes de los siglos XIX y XX, conocido por sus sofisticadas ilustraciones en blanco y negro realizadas con pluma e tinta.

Curiosamente, su estilo nació por un malentendido. Booth copiaba meticulosamente ilustraciones de revistas usando pluma e tinta, creyendo que los originales también estaban hechos así. En realidad, se trataba de grabados en madera. Pero este error le llevó a desarrollar una técnica única, basada en miles de líneas finamente colocadas una junto a otra.

En sus obras es imposible no notar enormes edificios y bosques monumentales que se alzan sobre pequeñas figuras humanas, junto a caligrafía clásica y árboles retorcidos.

Booth se convirtió en un artista comercial excepcional. Ilustró libros de autores como James Reilly, Mark Twain, Theodore Dreiser y Meredith M. Nicholson. Su dominio de la anatomía, el volumen, la composición y el sentido del drama era simplemente impresionante. Fue, sin duda, uno de los grandes maestros del dibujo con tinta que ha dado Estados Unidos.

Su estilo único, esa asombrosa diversidad gráfica que roza la pintura, influyó profundamente tanto a sus contemporáneos como a generaciones posteriores, incluidos artistas como Frank Frazetta y Bernie Wrightson.

“Siempre he admirado la belleza del trabajo de Franklin Booth y lo considero uno de los grandes ilustradores estadounidenses.”
© Norman Rockwell

“Un estudiante moderno que busque el éxito rápido debería copiar algunas de sus ilustraciones, aunque sólo sea por disciplina. Yo lo copiaba únicamente por amor a su arte.”
© Milton Caniff